Die zehn besten Kunstbücher des Jahres 2022

Diesen Monat haben unsere Redakteure und Autoren über ihre Lieblingskunstbücher des Jahres 2022 nachgedacht: Künstlerschriften, Fotobücher, Monographien und Ausstellungskataloge mit Werken von Alison Knowles, Shala Miller, Robert Motherwell und anderen.

„Der Kanon ist jeder Schwanz, der einer Frau in einem überfüllten Zug gegen den Rücken geschoben wird“, brodelt Justine Kurlands SCUMB-Manifest auf dem mit Texten übersäten alarmroten Cover. „Ich komme mit einer Klinge zu dir.“ Kurlands SCUMB (Society for Cutting Up Men's Books) nutzt Collagen, um den männlichen Blick aufzuspießen, und demontiert die visuelle Sprache, indem sie 150 ihrer eigenen Fotobücher mit männlichen Künstlern zerschneidet – Papierpuppenspiel wird wütend, unerbittlich, schlau. Der radikal-feministische Text einer Randrevolutionärin/Vagabundin ist eine Hommage an das SCUM-Manifest von Valerie Solanas und so mitreißend und nachhallend wie eh und je. Die Dichterin/Performerin Ariana Reines setzt Kurlands Bilder mit „dem Schneidezimmerboden eines jugendlichen Kenneth Anger“ und „der surrealistischen weiblichen Fantasie von Leonor Fini oder Dorothea Carrington“ gleich. Der Aufsatz der Galeristin/Kuratorin Marina Chaos sieht Kurlands Arbeit zugleich als „Vagina-Mandala“ und „als Rückgängigmachung einer bestimmten fotografischen Ausbildung“. Chao preist die neue Kraft der Collage als feministische Wiederaneignung: „Während die anfängliche Geste der Collage Gewalt kanalisiert, ist die letzte Aktion eine Metapher für Reparatur, Revision und Potenzialität.“

-Sarah Moroz

„Wenn ich die Fragen, die Sie in Ihrem Brief stellen, beantworten könnte“, schreibt die Dichterin Bernadette Mayer an ihre Schwester, die Künstlerin Rosemary Mayer, „würde ich über die Philosophie hinausgehen. Was ich gerne sein würde.“ Charakteristisch für den Briefwechsel zwischen den beiden Mayer-Schwestern, der in den Briefen von Rosemary und Bernadette Mayer, 1976–1980, zusammengefasst ist, enthüllen Bernadettes Worte den generativen Charakter ihrer Korrespondenz. Die Briefe der Mayers sind alles, was man von guten Briefen erwartet: konfessionell, philosophisch, alltäglich, manchmal lustig und oft über die Liebe. Während ihres vierjährigen Austauschs berichtet Rosemary über Neuigkeiten aus New York und übermittelt dabei häufig Gerüchte über die Kunstwelt oder Updates zu neuen Projekten, wie zum Beispiel ihrer Reihe ortsspezifischer Installationen, die sie „Temporary Monuments“ nannte. Aus ihrer Isolation auf dem Land in Neuengland heraus schreibt Bernadette blühende Beschwörungen der Mutterschaft, zu gleichen Teilen Gedichte und Briefe. Diskussionen über Geld kommen immer wieder. Bei all dem Alltagsgespräch ist ihr gemeinsamer Wunsch zur Zusammenarbeit – Kunst zu machen und sie zu teilen – die Wurzel ihres Austauschs. Auch wenn Sie noch nie von Rosemary oder Bernadette Mayer gehört haben, werden Sie das Buch trotzdem lieben, denn ihre Briefe können als eine Art Leitfaden für das richtige Sein gelesen werden.

–Noa Wesley

Julie Doucets Time Zone J ist gleichermaßen Sammelalbum, Tagebuch und Comix-Zine und macht auf die besonderen Vorzüge des Buchmediums aufmerksam. Grafisch und kompositorisch stößt Time Zone J jedoch an die physischen Grenzen der Seite, bis zu dem Punkt, dass die stilistische Dichte eine neue Art des Lesens erfordert: „Dieses Buch wurde von unten nach oben gezeichnet“, weist uns Doucet an. „Bitte lesen Sie entsprechend.“ .“ Der Blick des Betrachters ist auf den unteren Rand der Seite gerichtet, und dann muss er diese Linien von links nach rechts verfolgen, bevor er sich langsam zum oberen Rand der Seite bewegt; Normalerweise handelt es sich bei diesen Sequenzen um Talking Heads, Iterationen von Doucets 55-jährigem Ich, die über eine Briefromanze vor 32 Jahren nachdenken. Da Doucet auf den Zwischenraum des Comics, den Raum zwischen den Tafeln, der eine lineare zeitliche Abfolge projiziert, verzichtet, orientiert die dichte Materialität des Bildes den Lese- und Betrachtungsprozess neu. Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft sind auf einer einzigen Seite zusammengefasst.

-Wyatt Sarafin

Im Jahr 1963 vollendete die Buchkünstlerin, Fluxus-Künstlerin und Performance-Künstlerin Alison Knowles das, was viele als das erste Buchwerk bezeichnen: Bean Rolls, ein „Buch aus der Dose“, das mehrere echte Bohnen und kleine Textrollen mit verschiedenen Fakten über Bohnen enthielt. 1967 enthüllte sie „The Big Book“, eine lebensgroße Buchinstallation, durch die die Leser laufen, krabbeln und hindurchtreten konnten. Dies sind nur zwei von vielen Werken von Knowles, die in ihrer ersten Überblicksmonographie „By Alison Knowles“ dokumentiert sind, die die Ausstellung im Berkeley Art Museum und im Pacific Film Archive begleitet. Das Buch ist nicht nur eine notwendige und überfällige Aufzeichnung des Lebens und Werks dieses Multimedia-Künstlers, sondern an sich auch ein wunderschön gestaltetes Kunstbuch. Es ist chronologisch geordnet und vollgepackt mit hervorragenden Archivreproduktionen, Installationsbildern und Bildern gedruckter Bücher und Buchwerke. Darüber hinaus verfügt jedes Exemplar über ein einzigartiges Cover, ein „Rüstzeug, das beim Drucken der Innenseiten erstellt wird“. Die Abschnittstrenner im Buch enthalten Ausschnitte, die die multidimensionalen Formen von Knowles‘ eigenem Werk widerspiegeln, nicht als Spielerei, sondern als konsequente Erinnerung daran, dass wir auch ein Buchkunstwerk in unseren Händen halten. Von Alison Knowles bringt den Ausstellungskatalog geschickt in die Form eines Künstlerbuchs, ein passender Anstoß für die Arbeit einer so bahnbrechenden Persönlichkeit auf diesem Gebiet.

–Megan N. Liberty

Sicherlich gewichtig, aber dieses Volumen ist jede Unze wert. Allein die elegante Einleitung von Katy Rogers könnte noch weiter vertieft und aufschlussreich sein: Nichts belastet Sie. Zeichnen in seiner Unmittelbarkeit, als Akt und Objekt, Papier als gewähltes Material: „Ich nehme an, es gab in meinem Leben mehr Papier als alles andere“, sagt Motherwell und macht Kunst für alle zugänglich. Seine „vibrierende Wärme“ strahlt auch im Nichts unter den Kreationen aus, während der leere Raum dem Maler als mächtige, belebende Waffe dient. Die Nachbilder des Künstlers sind voller Vitalität und enthalten seine „vielschichtigen Gefühle“ und Reaktionen. Von der mehrdimensionalen bis zur flacheren Konzeptkunst, immer im Verhältnis zu den Rändern, bleibt die emotionale Ebene hoch. Die qualvollen, verzweifelten und fast tödlichen Elegien erreichten viele von uns zuerst. Automatische Zeichnungen, denken Sie an Surrealismus, denken Sie an eine „Rennyacht, die durch den Ozean schneidet“. Unvergesslich für diesen öffentlichen Intellektuellen ist seine Zen-Erfahrung.

-Mary Ann Caws

„Tender Noted“ von Shala Miller verwebt zutiefst persönliche, aber dennoch vertraute Vignetten über Trauer und Verbundenheit. In Briefen, Texten, fiktiven Geschichten und Gedichten meditiert Miller über den Verlust, sowohl persönlich als auch kollektiv: den ihres Vaters im Jahr 2019, den katastrophalen Verlust an Menschenleben seit Beginn der Pandemie und die anhaltende Trauer um das Leben der Schwarzen in den USA. Im Sommer 2020 wurden sie international gesehen und gefühlt. Indem Miller diese Momente nicht als disparate Zeitpunkte, sondern als miteinander verbundene Erfahrungsechos betrachtet, schafft er eine passende Metapher für die Orientierungslosigkeit der Trauer. Sowohl in der Form als auch im Inhalt erscheint die Haut als eine weitere Metapher, ein Gefäß für Erinnerung, Schmerz und Heilung im Buch, eingehüllt in kartonähnliches Papier mit blutroten Streifen am Vorderrand und einer Illustration mit dem Titel „Broken Girl, Jumping Broken“. „Seil“ ist auf dem Deckel eingeprägt. Während Millers nachdenkliches Geschichtenerzählen und fotografische Zeugnisse auf die etymologischen Ursprünge des Wortes Trauer hinweisen – schwer sein, belasten, belasten, verletzen, unterdrücken –, zeigt sie, dass der eigentliche Prozess der Trauer nicht an seine Wurzel gebunden ist. Aus diesem Prozess extrahiert Miller mitten im Requiem Momente der Freude, des Feierns und der Beruhigung. Tender Noted schafft einen dringend benötigten Raum für Trauer, die selbst ein Prozess des Erinnerns und der Rückkehr zu sich selbst durch einen kontinuierlichen Akt der Heilung sein kann.

– Echter Christ

Die Prämisse von Heat of Sand scheint einfach: Zwischen 2017 und 2019 fotografierte Satoshi Tsuchiyama die städtischen und abgelegenen Landschaften Israels und Palästinas durch die Linse des zeitgenössischen Tanzes. Doch mit durchdachtem Design und lyrischer Abfolge haben Tsuchiyama und Witty Books etwas geschaffen, das sich einer einfachen Charakterisierung entzieht. Bilder von in Bewegung gehaltenen Körpern lösen rhythmische Echos sowohl in der natürlichen als auch in der gebauten Umgebung aus, und indem wir die fließenden Bewegungen der Tänzer mit seltsamen und beunruhigenden Bildern des architektonischen Raums kontrastieren, sehen wir nicht die Steigerung der städtischen Schönheit, sondern vielmehr ihre Weiterentwicklung Komplikation und Entfremdung von uns. Auf diesen Seiten scheint die Wüstenlandschaft in ihren Sandwellen, schroffen Felsformationen und weiten Horizontlinien Zeit und Geschichte zu enthalten, und das Papiermaterial und die Bildkörnung drücken diese Qualitäten konsequent auf taktile Weise aus und machen das transhistorische Gefühl spürbar real.

–Zach Ritter

Pòtoprens: The Urban Artists of Port-au-Prince ist ein beeindruckendes, 416 Seiten umfassendes zweisprachiges Buch (Englisch und Haitianisch-Kreolisch), das die gleichnamige Ausstellung dokumentiert, die 2018 bei Pioneer Works stattfand. Mitorganisiert vom haitianisch-amerikanischen Künstler und Kurator Edouard Duval -Carrié und der britischen Fotografin und Kuratorin Leah Gordon präsentierte die Ausstellung eine Vielzahl zeitgenössischer Künstler aus ganz Port-au-Prince, die drei Etagen des höhlenartigen Raums der Organisation in Brooklyn einnahm. Für die Veröffentlichung arbeitete Gordon, der auch Co-Kurator der Ghetto-Biennale in Haiti ist, mit dem Schriftsteller und Geographen Joshua Jelly-Schapiro zusammen. In Anlehnung an das Layout der Ausstellung, das von Duval-Carriés und Gordons kartografischem Kuratierungsansatz profitierte, sind die profilierten Künstler nach den Stadtteilen organisiert, in denen sie Ateliers unterhalten, und bieten so einen Einblick in die Ökologie der lokalen Kunstszene. Diese Viertel, die von den Kuratoren der Ausstellung als „Zonen“ identifiziert wurden, zeichnen sich durch Gruppen von Künstlern aus, die mit gemeinsamen Traditionen und Formen arbeiten, oft als Ergebnis spezifischer sozialer Geschichten. Alle beteiligten Künstler schöpfen jedoch aus der reichen und komplexen visuellen Kultur Haitis, insbesondere aus der Verschmelzung religiöser, politischer und ästhetischer Einflüsse im Laufe der turbulenten Geschichte des Landes. Ein roter Faden durch das Buch (und die Ausstellung) ist, dass Haitis „städtische“ Künstler einer atemberaubenden Linie des Kampfes, des Widerstands und der Standhaftigkeit angehören, die lange vor ihrer Entstehung als erste von Schwarzen geführte Republik im späten 19. Jahrhundert begann. Geografisch fokussierte Umfragesendungen und die dazugehörigen Publikationen bieten selten eine solche Tiefe, im Gegenteil, sie grenzen oft an Ethnographie. Pòtoprens: The Urban Artists of Port-au-Prince gelingt es auf wunderbare Weise, diese Falle zu umgehen, und dient als perfekte Fallstudie dafür, wie Kuratoren und Redakteure, die mit solchen Projekten beauftragt sind, etwas Sinnvolles schaffen können.

–Irgendwo Farhat

Die Künstlerin Carmen Winant ist für ihre Arbeit mit Fotoarchiven und gefundenen Bildern bekannt. Indem sie gedruckte Collagen, Bücher, Filme und Installationen ausschneidet, einfügt, ausschneidet und neu organisiert, enthüllt sie die vielfältigen Erzählungen, die in Dokumenten enthalten sind. A Brand New End: Survival and Its Pictures setzt diese Praxis fort und konzentriert sich auf das Archiv von Women In Transition, einer Sammlung von Materialien zum Thema häusliche Gewalt, die von der in Philadelphia ansässigen Interessenvertretung gesammelt wurden. Die Buchstütze „A Brand New End“ von Winant enthält Zeitungsausschnitte mit Schlagzeilen wie „Gewalttätige Nächte“ und „Salonbesitzer von Freund erschossen“, reproduziert auf zerbrechlichem Papier, ähnlich dem Original-Zeitungspapier. Fotografien von Frauen, die Informationsliteratur lesen und Beratung erhalten, sowie 35-mm-Dias, die ihre Verletzungen dokumentieren, werden durch kritische Essays von Wissenschaftlern und Reflexionen anderer Künstler, darunter Catherine Opie und Suzanne Lacy, kontextualisiert. Als Katalog für eine begleitende Ausstellung im The Print Center fungiert dieses Buch auch als wichtige Erinnerung an das Erbe geschlechtsspezifischer Gewalt und als Hommage an die bleibenden Geschichten von Frauen.

–Megan N. Liberty

Wir fragen uns oft: Was ist die Rolle eines Kurators? Müssen sie sowohl als „Hausmeister“, wie das Wort schon sagt, als auch als Bürokrat gut sein? Können wir der erweiterten Funktion die folgenden wesentlichen Elemente hinzufügen, zum Beispiel den Besitz eines enzyklopädischen visuellen Gedächtnisses der gesehenen Kunstwerke und die Fähigkeit, sie überall mit einer visuellen Aura der Erhabenheit zu installieren? sich im Atelier des Künstlers zu Hause fühlen; Sie haben eine tiefe Neugier gegenüber Kunst und ebenso einen tiefen Respekt vor der Art und Weise, wie Künstler ihre Werke geschaffen haben.

Michael Auping ist einer der wenigen Kuratoren, die seinem kuratorischen Arsenal offenbar schon früh solche Eigenschaften verliehen haben. „Fangen Sie Künstlern erst an, Fragen zu ihrer Kunst oder der anderer zu stellen, nachdem Sie sie sich genau angesehen haben. Künstler haben kein Interesse daran, dass Menschen nach Abkürzungen suchen, die ihnen bisher verwehrt blieben.“ Oder „Wie Künstler zu Künstlern werden, ist ebenso faszinierend wie mysteriös, auch weil sie selbst nicht ganz sicher sind, wie sie dazu kamen, Künstler zu werden.“ Das sind Aupings weise Worte aus seiner vierzigjährigen Beschäftigung mit Kunstwerken, dem Sein, Arbeiten und Gesprächen mit Künstlern. Dieses Buch ist in zehn Themen unterteilt: Anfänge; Die Dimensionen des Zeichnens; Porträts; Landschaft: Alles Gelände; Farbe; Das Studio; Redewendungen; Licht und Raum; Abstraktion; Es wird spät. Auping bewegte sich zwischen den Themen menschlicher Erfahrungen und den Themen der Kunst und traf eine große Auswahl an Künstlern, darunter Tadao Ando, Georg Baselitz, Louise Bourgeois, Vernon Fisher, Jess, Agnes Martin, Bruce Nauman, Susan Rothenberg, Julian Schnabel, Sean Scully, Frank Stella, Jonathan Borofsky, Cai Guo-Qiang, Ellsworth Kelly, William Kentridge, Sol LeWitt, Richard Serra, Scott Burton, Lucian Freud, Anselm Kiefer, Ed Ruscha, Laurie Simmons und John Chamberlain. Neben anderen bekannten Namen – wie Francesco Clemente, Mark Bradford, Jenny Holzer, James Lee Byars, Lawrence Weiner und Christopher Wilmarth – waren zwei Dichter, Robert Creeley, Robert Duncan und ein Komponist, Morton Feldman, wunderbar in die Mischung einbezogen. Obwohl dieses Buch bereits 2018 erschien, habe ich es immer wieder gerne gelesen. Ohne die Notwendigkeit, es in chronologischer Reihenfolge zu lesen, ist der Inhalt unabhängig davon, auf welches Interview oder welches Kapitel man stößt, voller Intrigen, Witz und manchmal tiefgründiger Aussage über die Reisen und Erfahrungen des Lebens. Es ist in der Tat meine Leseempfehlung für die Feiertage.

–Phong H. Bui